Espace Jean-Roger Caussimon Centre d'art - Fablab – Ateliers collectifs

Alimentation - Quelle place dans la prévention des cancers ?

Jocelyne Quélo — 2026-10-17T12:30:00Z

samedi 17 octobre 2026 à 14 h 30

Rencontre-débat animée par Laureline Mercuri et Aicha Derdar

L'alimentation fait partie des comportements sur lesquels on peut agir pour accroître la prévention des cancers. Durant ce mois d'Octobre rose, Laureline Mercuri et Aicha Derdar du Pôle Santé de Tremblay-en-France vous propose de faire le tour de la problématique en leur compagnie bienveillante.

L'équilibre alimentaire est primordial. Il repose sur une alimentation variée et diversifiée, adaptée à vos besoins et à votre métabolisme. Il existe un lien important entre alimentation et cancer. En effet, un déséquilibre nutritionnel peut devenir facteur de risque pour certains cancers. Certains aliments peuvent également se révéler de puissants alliés pour la santé.

Quels sont les liens entre alimentation et cancers ? Quelles sont les règles à connaître pour limiter les risques de cancers ? Quelles sont les aides et solutions existantes à l'échelle individuelle et collective ?

En amont ou à l'issue de cette rencontre, vous pourrez découvrir dans la cour de la structure le travail d'habillage urbain réalisé par les adhérentes de l'atelier De fils en aiguilles et les tricoteuses du foyer Ambroise Croizat. En savoir plus

Entrée libre.
Une proposition en partenariat avec le Pôle Santé de Tremblay-en-France.

Voir en ligne : Alimentation-Quelle-place-dans-la-prevention-des-cancers

Monet et l'Impressionnisme

Jocelyne Quélo — 2026-11-21T14:30:00Z

samedi 21 novembre 2026 à 15 h 30

Conférence d'histoire de l'art par Sylvie Testamarck

Une conférence faite en écho à l'exposition Monet, peindre le temps proposée du 30 septembre 2026 au 25 janvier 2027 au musée de l'Orangerie.

Né à Paris, Monet grandit au Havre où il découvre la pratique du plein air grâce à Eugène Boudin. Peindre sur le motif devient dès lors fondamental. Il n'est plus question pour lui de composer un paysage selon des règles académiques, il s'agit désormais d'en capter au plus près les impressions fugitives.

À Paris, il fréquente l'atelier de Charles Gleyre, y rencontre Renoir, Bazille, Pissaro, Sisley. En 1874 est inaugurée la première exposition de La Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs dans les ateliers de Nadar. Monet y présente huit toiles dont Impression, Soleil levant. C'est le titre de celle-ci, d'abord employé de manière ironique par la critique, qui donnera plus tard son nom au mouvement tout entier. L'œuvre, en effet, a de quoi choquer : la touche est fragmentée, le dessin maladroit, les contours inexistants. C'est que Monet ne peint pas ce qu'il sait, il peint ce qu'il voit : un monde en permanence transformé par les variations de la lumière devenue ici le véritable sujet du tableau.

C'est à Giverny, où il s'installe en 1883, que cette quête peut définitivement s'approfondir. Avec ses grandes séries Les Meules, Les Peupliers, Les Cathédrales, les Nymphéas, il développe une démarche inédite inspirée des estampes d'Hokusai et d'Hiroshige dont il est un grand collectionneur. Un même sujet est repris à différentes heures de la journée selon les saisons et le temps qu'il fait, suggérant par là-même une idée fondamentale : la réalité visible n'est jamais fixe, elle est en permanence soumise aux variations de la lumière et du temps.

Monet s'inscrit dans une constellation d'artistes participant chacun à leur manière à la redéfinition du langage pictural, rompant avec les règles académiques tant dans les techniques employées que dans le choix des sujets. Il y occupe néanmoins une place essentielle. En libérant la peinture des contraintes traditionnelles, il a ouvert la voie à des formes plus abstraites et expressives, qui inspireront des artistes comme Joan Mitchell plusieurs décennies plus tard.

S.T

Entrée libre adhérents et – de 18 ans
Adhérents partenaires tremblaysiens : 3 €
Non adhérents : 5 €

Voir en ligne : Monet-et-l-Impressionnisme

Piero della Francesca (vers 1415-1492)

Jocelyne Quélo — 2026-12-05T14:30:00Z

samedi 5 décembre 2026 à 15 h 30

Conférence d'histoire de l'art par Sylvie Testamarck

Entre peinture et mathématiques, l'art éblouissant de Piero della Francesca alliant beauté, science et spiritualité est considéré comme l'une des expressions les plus accomplies de la Renaissance italienne.

Artiste et savant, mathématicien émérite, auteur de La Perspective en peinture et Des Cinq corps réguliers, Piero della Francesca nait en Toscane dans le village de Borgo San Sepolcro. Il restera fidèle à cette origine et peindra régulièrement des œuvres importantes dans sa région natale. Peintre admiré, il travaille également pour les cours les plus éclatantes de l'Italie : à Rimini pour les Malatesta, à Ferrare pour la famille d'Este, à Rome pour le pape Nicolas V, à Urbino pour la cour du duc de Montefeltro.

Dans ses compositions, les figures sont monumentales, absolument silencieuses et hiératiques. Ce sont moins des personnages que des archétypes intemporels, la lumière et la perspective se chargeant, quant à elles, de traduire la structure rationnelle du monde.

Moins de vingt ans après sa mort, il est pourtant oublié : trop de silence, trop de hiératisme, trop d'immobilité pourtant si savamment orchestrés. La Renaissance favorise les effets spectaculaires et narratifs, là où Piero della Francesca cultive l'harmonie mathématique et la méditation. Ses œuvres, dispersées, peu diffusées, le style employé ainsi que ses écrits mathématiques restés marginaux, limitent son influence immédiate. Il n'est redécouvert qu'au XIXe siècle.

On comprend dès lors la profondeur philosophique de son œuvre, la méditation sur l'espace et le temps qu'elle proposait, rendue visible par une composition toujours savante, magnifiée par le plus solaire des chromatismes.

S.T

Entrée libre adhérents et – de 18 ans
Adhérents partenaires tremblaysiens : 3 €
Non adhérents : 5 €

Voir en ligne : Piero-della-Francesca-vers-1415-1492

Matthias Grünewald (vers 1470 -1528)

Jocelyne Quélo — 2027-01-16T14:30:00Z

samedi 16 janvier 2027 à 15 h 30

Conférence d'histoire de l'art par Sylvie Testamarck

Une des figures majeures de la peinture religieuse de la Renaissance du Nord. Analyse d'une œuvre exceptionnelle : le Retable d'Issenheim.

L'œuvre de Matthias Grünewald, peu abondante mais d'une intensité exceptionnelle, culmine avec le Retable d'Issenheim aujourd'hui visible au musée Unterlinden à Colmar. Commandité par l'ordre hospitalier des Antonites, il ornait le maître-autel de la commanderie d'Issenheim. L'ordre des chanoines hospitaliers y recevait les malades venus prier Saint Antoine, protecteur et guérisseur du terrible « mal des ardents »* qui sévissait alors.

Le Retable d'Issenheim est un polyptique dont on modifiait l'ordre de présentation en fonction des fêtes liturgiques. Conçu pour l'édification morale et spirituelle des malades, il propose une vision radicale de la souffrance et de la rédemption. À rebours de l'idéal d'harmonie incarné par Albrecht Dürer, Grünewald use ici d'un langage pictural très singulier dont s'inspirera l'expressionnisme moderne : dramatisation des corps et des affects, déformations expressives, intensité des couleurs. À cette violence expressive répondent pourtant des scènes lumineuses. Il s'agit en fait d'un parcours, tout à la fois visuel et théologique, allant de la douleur à l'espérance. En incarnant visuellement la souffrance et sa transcendance, il permettait sans doute aux malades de supporter leur douleur et de lui conférer un sens, à la fois spirituel et existentiel.

Tombé dans l'oubli après sa mort, Grünewald est redécouvert à l'époque moderne et reconnu comme une figure essentielle, précisément en raison de cette puissance stylistique. Son œuvre demeure une exploration radicale de la condition humaine où la peinture devient le lieu d'une confrontation directe entre souffrance, foi et possibilité de salut.

S.T

* Il s'agit de l'ergotisme, une maladie liée à la consommation de céréales contaminées par un champignon, l'ergot de seigle.

Entrée libre adhérents et – de 18 ans
Adhérents partenaires tremblaysiens : 3 €
Non adhérents : 5 €

Voir en ligne : Matthias-Grunewald-vers-1470-1528

Le Clair-obscur

Jocelyne Quélo — 2027-03-06T14:30:00Z

samedi 6 mars 2027 à 15 h 30

Conférence d'histoire de l'art par Sylvie Testamarck

L'art subtil du contraste entre la lumière et l'ombre du XVIe siècle à nos jours.

Le clair-obscur, art du contraste entre lumière et ombre, traverse toute l'histoire de la peinture. Il a permis aux artistes l'évocation d'une atmosphère particulière, qu'elle soit intime, mystique ou dramatique. Loin d'être une simple technique picturale, il est devenu un véritable langage visuel et philosophique. Giotto déjà commence à saisir l'importance de la gradation lumineuse mais c'est au XVIe siècle que naît la technique raffinée du chiaroscuro visant à modeler les figures par le contraste subtil de tons clairs et sombres. Au fil des siècles, le clair-obscur ne cessera plus dès lors de se réinventer.

Le ténébrisme est une technique picturale spectaculaire jouant sur des contrastes très forts entre l'ombre et la lumière. Associé à des artistes du XVIIe siècle comme Caravage ou Ribera, la lumière agit ici comme une force dramatique qu'on fait surgir violemment de l'obscurité. Avec des artistes comme Delacroix ou Géricault, le clair-obscur se chargera plus tard d'une intensité émotionnelle : les contrastes sont puissants, la lumière est instable voire inquiétante, souvent liée aux forces naturelles (tempêtes, incendies et naufrages). Avec Moreau, Redon ou Puvis de Chavannes, le clair-obscur change encore de fonction : l'ombre n'est plus seulement l'absence de lumière, elle devient l'espace même du rêve et du mystère. Chez les impressionnistes, ombre et lumière cessent d'être des opposés pour devenir les éléments d'une même vibration visuelle. L'obscur n'est plus noir, il s'est coloré, il n'est plus que le contrepoint de la clarté devenue ici le véritable sujet du tableau.

Émotion, introspection, narration et réflexion coexistent ainsi dans cette maîtrise lumineuse : de Rembrandt à la photographie, au cinéma et aux installations contemporaines, le clair-obscur demeure un instrument privilégié pour interroger le réel, révéler l'invisible, et pour toujours nourrir notre imaginaire.

S.T

Entrée libre adhérents et – de 18 ans
Adhérents partenaires tremblaysiens : 3 €
Non adhérents : 5 €

Voir en ligne : Le-Clair-obscur

Piero di Cosimo (vers 1462–1522)

Jocelyne Quélo — 2027-04-24T13:30:00Z

samedi 24 avril 2027 à 15 h 30

Conférence d'histoire de l'art par Sylvie Testamarck

La vie et l'œuvre d'un peintre inspiré, érudit et fantasque. Par l'originalité de son langage pictural, son œuvre témoigne d'une remarquable capacité à conjuguer érudition humaniste, imagination et innovation formelle.

Né vers 1462, à Florence, Piero di Cosimo est l'élève de Cosimo Rosselli dont il adopte le nom. Il participe avec lui aux travaux de la chapelle Sixtine dans les années 1480, ce qui l'inscrit d'emblée dans le grand courant artistique de son temps.

Évoquant l'artiste dans son célèbre ouvrage Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, Giorgio Vasari décrit en 1550 un homme épris de solitude, fuyant la vie sociale, vite effrayé par l'orage et la lumière violente, par ailleurs jaloux et possessif à l'égard d'une œuvre travaillée avec passion.

Piero di Cosimo est connu pour son imagination fantastique et se distingue par son goût prononcé pour le bizarre et le narratif. Contrairement à Sandro Botticelli ou à Antonio del Pollaiuolo privilégiant la linéarité, la grâce et l'équilibre, il crée un monde chaotique et fantaisiste, dans lequel coexistent tout à la fois le merveilleux et l'inquiétant (paysages souvent instables, figures hybrides à la frontière de l'humain...). Toutefois, derrière cette image d'un artiste fantasque, on trouvera surtout un peintre érudit. Il a sans doute lu le De Rerum Natura de Lucrèce diffusé dans les milieux humanistes, consulté aussi le De Architectura de Vitruve. Influencée par ces lectures, son œuvre est aussi une méditation visuelle sur la naissance du monde, l'émergence de l'humanité et le passage de la nature à la culture.

Ce peintre admirable échappera toujours aux catégories. Là où la Renaissance florentine cherchait la clarté, l'ordre et la mesure, il a exploré quant à lui l'étrangeté du monde naturel et c'est précisément cette alliance entre érudition humaniste et imagination débridée qui rend aujourd'hui son œuvre aussi fascinante.

S.T

Entrée libre adhérents et – de 18 ans
Adhérents partenaires tremblaysiens : 3 €
Non adhérents : 5 €

Voir en ligne : Piero-di-Cosimo-vers-1462-1522